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| Ejercicio de estudio, 17-nov. |
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| Ejercicio de estudio, 24-nov. |
lunes, 29 de noviembre de 2021
domingo, 21 de noviembre de 2021
Autorretrato
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"Sin título" Lidia P. González P. Frottage con pigmentos y pastel sobre papel 44x63 cm 2021 |
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"Sin título" Lidia P. González P. Frottage con pigmentos y pastel sobre papel 22x31cm 2021 |
sábado, 23 de octubre de 2021
Intervención de una obra clásica
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| Autorretrato de Velázquez (c. 1645) |
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 1599 - Madrid, 1660).
Estudió y practicó pintura en su ciudad de origen, primero fue discípulo de Francisco de Herrera. Después, a la edad de 11 años, entró al taller de Francisco Pacheco, prestigioso maestro de Sevilla. En 1618, Pacheco otorgó la mano de su hija a Velázquez, años más tarde, dos hijas del pintor nacieron. En esta primera época, Velázquez tiene un estilo que sigue al de los manieristas pero adoptando los claroscuros de Caravaggio, Pacheco elogia sus bodegones, escenas de cocina o taberna con figuras y objetos de naturaleza muerta. Velázquez fue uno de los primeros exponentes del nuevo naturalismo en España.
"El aguador de Sevilla" fue una de las primeras obras que difundió el talento de Velázquez por la corte española.
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| "El aguador de Sevilla", 1619 |
En 1622, Velázquez viaja a Madrid con la esperanza de pintar a los reyes pero eso no sucede, en cambio, realiza un retrato del poeta Don Luis de Góngora y Argote, acto que fomentó su popularidad como retratista. Al año siguiente, Velázquez fue llamado por el conde-duque de Olivares para realizar la efigie de Felipe IV (rey de España), complacido con su retrato, nombró a Velázquez pintor de cámara. De esta manera, a la edad de 24 años, Diego Velázquez se mudó a Madrid, en compañía de su familia, con la intención de servir al rey. Ya instalado en la corte, pudo estudiar obras maestras de la colección real, sobre todo, a Tiziano. Se dedicó a pintar retratos de la familia real, cortesanos y viajeros distinguidos.
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| Felipe IV, 1623 |
Diego Velázquez viajó en dos ocasiones a Italia, la primera vez como un viaje de estudios, donde, según palabras de su amigo Jusepe Martinez: "vino muy mejorado en cuanto a la perspectiva y arquitectura se refería". De regreso en Madrid, Velázquez se dedicó a su principal actividad de pintar retratos, entró a un periodo de variada producción.
En 1649, Velázquez realizó su segundo viaje a Italia, en esa ocasión por encomienda de Felipe IV, quien le pidió buscar pinturas y esculturas antiguas. Velázquez llevó consigo algunas pinturas para el papa Inocencio X, de quien ganó favor al dejarse retratar por Velázquez, acción poco concedida a extranjeros.
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| Retrato del papa Inocencio X, 1650 |
De esta última obra, el artista Francis Bacon hizo un estudio, apropiándose de ella y reinterpretándola, para entender un poco mejor hay que agregar que las obras de Bacon suelen reflejar el sufrimiento humano de una forma cruda, por ello, en la reinterpretación que hizo del Papa Inocencio X, podemos ver un personaje con el rostro desencajado, pinceladas gruesas y tonos obscuros que crean una atmosfera propicia y en contraste se encuentran los tonos morados y amarillos que agregan luz pero sin salir de la atmosfera sombría.
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| "Estudio del retrato del papa Inocencio X de Velázquez", Francis Bacon, 1953 |
Regularmente, las obras clásicas son objeto de reinterpretaciones artísticas, esto es una manera de conocer, aprender y encontrar nuevas lecturas de las obras, por ello, considero completamente válido el apropiarse de una obra y entregar a cambio una nueva perspectiva. En lo personal, me parecen interesantes los resultados cuando el artista impregna su esencia en la reinterpretación que elabora.
Algunos ejemplos son:
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| Reinterpretación de "Las Hilanderas", Elena del Rivero |
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| Reinterpretación "El nacimiento de Venus", Harmonia Rosales |
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| Reinterpretación de "La creación de Adán", Harmonia Rosales |
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| Reinterpretación "A man with a pipe", Mariana Oushiro |
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| Reinterpretación "The daughter of man", Anita Kunz |
A partir de un estudio con frottage del retrato del Papa Inocencio X, realicé una intervención digital con noticias web sobre abusos de la Iglesia Católica.
sábado, 16 de octubre de 2021
El Juramento de los Horacios
Jacques Louis David, considerado el fundador del Neoclasicismo francés, nació en París en 1748 y murió en Bruselas en 1825.
A edad temprana comenzó su formación en la pintura bajo la tutela de François Boucher, complementó su formación en el taller de Joseph Marie Vien y asistió a la Academia de París. Obtuvo el Prix de Rome (beca de estudios), por ello, viajó a Roma en 1776, allí se sumergió en los clásicos y fue fuertemente influenciado por el clima artístico de la época que estaba dando paso a la teoría del Neoclasicismo, en éste, David encontró una forma de oponerse a la frivolidad del rococó y también exaltar, a través de la pintura, ideales éticos.
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| "El Juramento de los Horacios", 1784. (https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/fotos/david_horacios.jpg) |
En 1784, "El Juramento de los Horacios" consagró a David como un maestro, esta pintura representa un hito en la historia del arte francés debido a algunos aspectos como el rigor compositivo, la solemnidad y la subordinación del color ante el dibujo, elementos que constituyen los ideales del neoclasicismo.
Por otra parte, uno de los referentes inmediatos es el teatro de Cornaille, en esta época, el teatro había sido renovado en Francia como escuela de costumbres y moralidad. Se abarcaban temas de la Antigüedad con el objetivo de renovar la sociedad corrupta que había dejado el Antiguo Régimen. En esta obra de David, existe una narración que se divide en tres actos que están marcados por los personajes y por los arcos de la estructura del fondo. Contexto: en el siglo VII a.C., Roma está en guerra con la ciudad de Alba, para evitar más muertes, deciden que la guerra será resuelta mediante el combate de 6 campeones, 3 de Roma y 3 de Alba. Representando a Roma van los hermanos de la familia de Horacio y representando a Alba seleccionan a los hermanos Curiati. Pero todo es más trágico debido a que las dos familias están ligadas por matrimonios: una hermana de los Horacios con un hermano de los Curiati, y viceversa. En esta pintura se ilustra la escena 1: la declaración de guerra de los Horacios; escena 2: el juramento de lealtad a Roma ante su padre con las espadas; escena 3: la tragedia y desesperación de las mujeres. La pintura neoclásica diferencia el espacio masculino (el ámbito público, guerra o trabajo) y el espacio femenino (lo privado/el hogar).
Cuando David regresó a París estuvo inmerso en la Revolución Francesa, participando activamente como diputado y organizador cultural hasta convertirse en el pintor oficial de la Revolución. Fue encarcelado brevemente pero después se convirtió en el retratista oficial de Napoleón. Realizó varias obras emblemáticas y rechazó algunos cargos por ejecutar grandes composiciones llenas de significado ideológico, con un delicado dibujo y un cromatismo cálido y variado.
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| "Napoleón cruzando los Alpes", 1800 (https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/fotos/david_napoleon.jpg) |
Es importante mencionar la obra que muchos consideran cumbre: "La muerte de Marat". David tuvo un relación cercana con Marat (periodista y revolucionario jacobino), quien sería asesinado en 1793 por Charlotte de Corday, suceso que provocó una gran conmoción.
David visitó el escenario del asesinato para poder pintar y configuró una nueva imagen de héroe, en la pintura muestra a un Marat que aceptó su muerte con serenidad, se muestra el cuchillo (arma homicida) y la pluma haciendo referencia a la razón frente a la violencia. Otro aspecto a resaltar es la exaltación divina de Marat, David evoca a las figuras del Ecce Homo, en las cuales se representa a Cristo torturado y humanizado.
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| "La muerte de Marat", 1793. |
Para finalizar, el resultado de mi estudio pictórico fue este:
Referencias:Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Jacques Louis David. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/david_louis.htm el 14 de octubre de 2021.Jacques-Louis David: dos muertes, dos juramentos y un compromiso revolucionario. (2021). masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas. Recuperado 15 de octubre de 2021, de Jacques-Louis David: dos muertes, dos juramentos y un compromiso revolucionario (masdearte.com)DAVID JACQUES LOUIS | artehistoria.com. (s.f.). ArteHistoria. Recuperado 15 de octubre de 2021, de DAVID JACQUES LOUIS | artehistoria.comINACAP. (s. f.). Jacques-Louis David, Juramento de los Horacios (1784). Recuperado 15 de octubre de 2021, de https://portales.inacap.cl/artequinantofagasta/conoce/coleccion-permanente/jacques-louis-david-juramento-de-los-horacios-1784
sábado, 9 de octubre de 2021
La Balsa de la Medusa
He de comenzar con una breve semblanza de Théodore Géricault, nació en 1791 en Ruán, Francia. A la corta edad de 4 años, se mudó con su familia a París, lugar donde tendría sus primeras clases de arte impartidas por artistas como Carle Vernet y Pierre Bouillon, más tarde ingresaría al École des Beaux-Arts donde sería alumno de Pierre-Narcisse Guérin. A partir de 1811 tomó una carrera autodidacta y se dedicó a copiar las obras de los grandes maestros en las galerías del Louvre.
Su primera obra reconocida fue "Charging Chasseur" con la cual ganó un premio en el Salon de 1812.
En 1814 volvió a participar en el Salon con la obra "Coracero herido" pero la pintura no fue muy bien recibida.
Participó por el gran Premio de Roma (consistía en un periodo de estudio pagado en Italia) pero no ganó, por lo cual, decidió irse a Italia por cuenta propia, allí fue impresionado por los artistas del Renacimiento italiano, quienes influirían en su obra, tanto en sus representaciones como en su uso dramático de luz y sombra. Durante su estancia en Roma realizó una serie de pinturas de carreras de caballos conocida como "Corso dei Barbieri".
En 1817, el romanticismo de Géricault estaba en pleno apogeo, como se puede apreciar en sus pinturas de paisajes a gran escala.
En 1819, expuso en París, en el Salon, su obra más famosa y en la cual nos enfocaremos hoy: "La balsa de la Medusa".
En 1824, Géricault muere en París, tras una larga enfermedad que le impidió trabajar en obras de gran formato. Sus ultimas pinturas fueron una serie de retratos de enfermos mentales, que destacan por su realismo y fuerza expresiva.
Entrando en tema, "La balsa de la Medusa" es una pintura al óleo de gran formato (491 cm x716 cm) que representa una escena del naufragio de la fragata francesa Méduse, donde 147 personas quedaron a la deriva en una balsa improvisada, sólo 15 personas sobrevivieron durante 13 terribles días en los que sufrieron hambre, deshidratación y locura, el accidente fue debido a la negligencia del estado francés, por lo que la población francesa se impuso y consiguió que se destituyera al ministro responsable y 200 oficiales de la marina.
En su época fue un cuadro polémico debido al realismo de la escena y al revuelo y tumulto que había causado en la población francesa la noticia del naufragio.
Gericault con la ayuda de un amigo médico, sacó de la morgue algunos miembros cercenados y los llevó a su taller, construyó una replica de la balsa y ahí acomodó los miembros para hacer sus bocetos y pintura. Esa necesidad de realismo es lo que lleva a la obra a ser imponente, creo que más que el tamaño, lo que se representa y la técnica empleada es lo que lleva a impactar al publico, en mi caso, sólo he visto la pintura de manera digital por lo que no puedo dimensionarla realmente pero aún así fue impactante para mí. Y creo que en el caso de tenerla enfrente de manera física, el tamaño sí causan aún más conmoción en el espectador al ver la inmensidad del suceso frente a sus ojos.
Plano de la balsa auténtica después de su rescate.
Imagen de: Blog de HA por Antonio Boix
A continuación algunos de los bocetos de Géricault:
Imágenes del blog de HA de Antonio Boix
Y a continuación un estudio de mi autoría de "La balsa de la Medusa":
Como comentario personal, "La barca de la Medusa" es una pintura que me atrapa y me invita a poner atención en las diferentes poses y gestos, me parece que tiene una buena composición, el juego de luces y sombras me parece grandioso, transmite la resignación de unos y la fe de otros, y saber la historia detrás es aún más impactante.
Creo que este tipo de accidentes o sucesos que son provocados por la negligencia del estado siguen vigentes, por ello, en el arte contemporáneo siguen siendo representados a manera de protesta o visibilización y lo que se produce busca nuevas formas de tocar y sensibilizar al público. Una artista que viene inmediatamente a mi cabeza es Teresa Margolles, artista mexicana cuya obra se centra en explorar las causas sociales y violencia que azotan a México, una de sus obras más conocidas es "En el aire", una instalación que crea y lanza burbujas al aire, éstas encantan al espectador hasta que se entera de que el agua (desinfectada) con la cual se producen las burbujas fue utilizada posteriormente para limpiar cadáveres en la morgue. Según la artista, las burbujas sirven para recordarnos la vida destruida. La instalación pretende generar aversión y horror a un público que ha normalizado la violencia.
Referencias:
Géricault, Théodore. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (museothyssen.org)
martes, 9 de junio de 2020
Proceso de obra personal
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Sin título
Patricia González Pico
Acrílico sobre lienzo
50x70cm
2020
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La creación de esta obra ha traído consigo una experiencia extraña, en la cual simplemente me dejé llevar por la pintura y los colores dando como resultado la pieza. En un principio tenía una idea del resultado que quería conseguir pero sin duda no fue el que obtuve, fue muy gratificante ya que estuvo acompañado de un cambio constante en la pintura.
Referencia:
Mural Zihuatanejo
Elementos principales del tema del mural:
- Animales marinos
- Arrecifes de coral
- Interacción humana
- Acciones de conservación y regeneración del entorno ecológico
Elementos complementarios del tema del mural:
- Divulgar conocimiento de la vida marina y la importancia de su conservación
- Biodiversidad: tortugas, tiburon gata, caballito de mar, pez lora, algas, corales, etc.
- Pesca/barco pesquero
- Actividades Turisticas
- Actividades recreativas
- Contexto social: Covid-19
- Elementos culturales de Zihuatanejo
- Medidas del muro: 8.18x4.70m.
- Requerimientos técnicos: materiales, costos y tiempo
Elementos estéticos, ornamentales o conceptuales:
- El arte en el espacio público
- Antecedentes de la pintura mural
- Ilustración científica
- "El arte como medio para intentar salvar a la Tierra" https://www.lofficielmexico.com/arte-y-cultura/el-arte-como-medio-para-intentar-salvar-a-la-tierra
- Promover el conocimiento científico a través del arte y el lenguaje visual
- Biomar
- fishbase.org
- E-lctiologia
- Guía de peces
- Trabajo multidisciplinario en equipo
lunes, 11 de mayo de 2020
Antecedentes de la Pintura Mural
Ubicándonos temporalmente en la Prehistoria: el hombre pintó sobre rocas, dentro de las cuevas donde plasmaron las imágenes que obtenían de su entorno con representaciones frecuentes de animales y cazadores pero su participación artística no se limitó a pinturas o tallados en piedra.
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| Venus paleolítica de Renancourt |
Tuvieron indicios de arquitectura, creando monumentos como los ubicados en Stonehenge y Avebury, monumentos que cumplieron una función mágico-religiosa, cuya significación astronómica aún es un misterio.
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| Conjunto megalítico Avebury |
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| Monumento megalítico Stonehen |
También podríamos mencionar al body art que consiste en utilizar el cuerpo humano como soporte para la creación de obras o como vehículo de expresión, a pesar de que no podemos estar seguros de cómo vivían o actuaban los hombres de la Prehistoria, gracias a los restos que dejaron podemos recrear una imagen. El body art está relacionado con los rituales, al igual que los objetos prehistóricos que se han encontrado, por ende podemos deducir que utilizaban su cuerpo como medio de expresión.
La pintura mural es una técnica de arte figurativo pintada o aplicada directamente sobre un muro o papel, ya sea de piedra u otro tipo de construcción. Iniciando de forma inconsciente desde la prehistoria con las pinturas rupestres, que da un gran salto con el arte egipcio, griego y romano, todos muy importantes ya que plasmaron el entorno que los rodeaba, expresando sus costumbres y tradiciones, llevando así un registro de la evolución cultural , intelectual y estética del ser humano.
Todas las culturas aportaron algo para mejorar los materiales e instrumentos empleados en la pintura, evolucionando desde objetos muy rústicos a unos más delicados.
Los materiales utilizados en la pintura son muy importantes porque la calidad se verá reflejada en el acabado y durabilidad del mural, y por lo tanto, en la trascendencia de este.
El temple fue una técnica muy utilizada, en ésta los colores se disuelven con aglutinantes dando un resultado mate.
El fresco es una técnica en la cual los pigmentos pasan a formar parte de la superficie, lo cual la hace muy resistente, se remite a la cultura mesopotámica y egipcia.
El mosaico se elabora con pequeñas piezas de piedra, cerámica, vidrio u otros materiales de diversas formas y colores unidas sobre un lecho fresco de yeso, cal, cemento u otro aglomerante.
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| Frescos bizantinos en una iglesia de Göreme, Turquía |
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| Frescos minoicos, Museo Arqueológico Nacional de Atenas. |
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| Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum, Joan Miró |
Cuando hablamos de pintura mural también hay que mencionar a las culturas mesoamericanas, a pesar de que no todos los murales están bien conservados se puede observar en ellos diferentes escenas del cotidiano mesoamericano. En México se han encontrado murales hechos por las diferentes culturas mostrando procesiones de sacerdotes y nobles, guerras, prisioneros o ceremonias.
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| Mural Maya |
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| Mural Bonampak |
Uno de mis murales favoritos es el fresco del salto del toro, denominado Fresco de la Taurocatapsia, que muestra a un acróbata sobre un toro con dos mujeres acróbatas a los extremos. En un inicio estuvo situado en la parte superior de un muro del Palacio de Cnosos en Grecia pero actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Heraclión, Grecia.
Me gusta mucho por las formas orgánicas que lo componen que, a pesar de que las posturas son estáticas, me transmiten movimiento y soltura. Creo que los límites de las figuras son sencillos al igual que los detalles y acompañados de los colores azul y ocre le dan equilibrio y esto me agrada ya que no lo siento saturado.
Al parecer este fresco no está representando un suceso en orden cronológico, hay rumores acerca de su significado cosmológico o ritual, pero en realidad no hay un texto que avale su significado así que es un misterio, por lo cual también me parece interesante.
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| Fresco de la Taurocatapsia. |
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